音楽の形式を読む——二部形式、ロンド、ソナタ

形式とは、曲が時間の中でどう配置されているかです。二部形式、三部形式、ロンド、変奏曲、ソナタ形式が、聴き手の予想に何をするのかをまとめました。

そもそも形式がある理由

音楽は時間の中で起こり、聴き手が一度に記憶に留めておける量は限られています。形式とは、十分や二十分という長さを分かるものにするために作曲家が使ってきた道具立てです。素材を繰り返して馴染ませ、対比を置いて繰り返しが繰り返しとして届くようにし、調を移動させて、家へ戻ることが到着として感じられるようにする。

西洋の形式はほとんどすべて、二つの軸の上で同時に動いています。主題の軸は、いま聞こえているのがどの旋律かということ。調性の軸は、いまどの調にいるかということです。ある部分が、同じ旋律を新しい調で持って戻ってくることもあれば、新しい素材を元の調で出すこともあり、この二つの軸のあいだの緊張に、面白さの大半があります。

略記にはふつう文字を使います。Aは最初の主要部分、Bは対比する素材、Aの再来は最初の部分がもう一度聞こえることを指します。以下はすべて、その文字の並びと、調の計画の組み合わせです。

二部形式と三部形式

二部形式は二つの部分から成り、ふつうは両方が繰り返されます。A Bと書きます。前半は主調で始まって転調し、長調なら属調へ、短調ならたいてい平行長調へ向かいます。後半はその新しい調で始まり、主調へ戻ってきます。バロックの舞曲楽章の大半は二部形式です。メヌエット、ガヴォット、サラバンド、バッハの組曲の各楽章。

再現をともなう二部形式は、同じ計画の後半の終わり近くに、冒頭の素材を戻したものです。歴史的に重要なのは、ここからソナタ形式が育ったからです。提示し、離れ、戻る。

三部形式はA B Aで、三つの部分のうち外側の二つは同じ素材を同じ調で扱い、中間部は本当に対比的で、多くは近親調に置かれます。ダ・カーポ・アリアも、メヌエットとトリオも、この仕組みです。再現をともなう二部形式との違いは実質的なものです。三部形式の中間部はそれ自体で完結していて再現も完全ですが、再現をともなう二部形式の中間は経過的で、再現も部分的です。

ロンドと変奏曲

ロンドは、戻ってくるリフレインと対比的なエピソードを交互に置きます。A B A C A、ときにA B A C A B Aまで伸びます。リフレインはほぼ必ず主調で戻ってくるので、形式全体が安定して快活に感じられ、だからこそ終楽章によく使われます。エピソードは調の対比を供給し、腕のいい作曲家の手にかかれば家からの距離が少しずつ広がり、リフレインが戻るたびに歓迎の度合いが増していきます。

変奏曲は、たいてい短くフレーズのはっきりした旋律を提示し、それを変えながら繰り返します。変奏はリズム、織り、音域、長短、和声を変えますが、下にあるフレーズの構造はふつう保たれるので、旋律がほとんど見えなくなっても聴き手は追っていけます。長調ばかりの組の中に短調の変奏が一つ入るのはほとんど義務のようなものですし、華やかな結びの前に遅い変奏が置かれるのもよくあることです。

どちらの形式も、計画が一度聴けば耳に分かるので、教材として優れています。ロンドのリフレインが戻るたびに手を挙げてごらん、と生徒に言えば、専門用語を一つも使わずに形式を聴く力を教えたことになります。

ソナタ形式

ソナタ形式は三つの部分から成る計画で、ふつう提示部・展開部・再現部と説明され、およそ1750年以降、器楽曲の第一楽章を支配しました。これを定義しているのは主題ではなく、調の計画です。

提示部では、第1主題が主調を打ち立て、経過部が転調し、第2主題が新しい調で現れます。長調の楽章なら属調、短調の楽章ならたいてい平行長調です。提示部はその新しい調でしっかり閉じます。聴き手はこの時点で、二つの異なる調の場所に結びついた二つの楽想と、未解決の問題を抱えることになります。

展開部は、その素材の断片を不安定な調を通して運びます。反復進行、断片化、対位法的な組み合わせが常套手段です。何も落ち着かないようにできていて、狙いは、主調の再来が意味を持つだけの長さ、主調を差し控えておくことにあります。

再現部は提示部を繰り返しますが、決定的な変更が一つあります。第2主題が今度は主調で現れるのです。それが解決です。経過部は、どこかへ行くのではなくどこへも行かないように書き直さなければならず、しばしば楽章の中でいちばん巧妙な箇所になります。調を確認するためにコーダが続くこともあります。後期の作品では提示部の前の遅い序奏もよく見られますし、聴き手を引っかけるための偽の再現部も同様です。

自分の楽器で形式を聴く

形式は、自分で弾いた瞬間に具体的なものになります。グレード6より下のアコーディオンとバヤンの標準的なレパートリーの多くは二部形式か三部形式で、蛇腹の切り替えはもっとも分かりやすい構造の合図の一つです。蛇腹の変え所をフレーズの途中ではなく部分の切れ目に計画すれば、構造が耳に聞こえるようになります。下手に計画すれば、聴き手が必要としている継ぎ目を隠してしまいます。

レジストレーションも同じ働きをします。三部形式のB部でレジスターを変え、最後のAで戻すのは装飾ではなく、形式の告知です。アコーディオン奏者はここでピアニストにない資源を持っているのですから、変化をつけるためだけでなく、構造のために使うべきです。

コントラバス奏者にとって、形式はたいていアンサンブルの内側から経験されます。提示部の第二の調の領域が到着したことが分かるのは、自分の線がたった今、8小節にわたって新しい属音を主張してきたからです。総譜を追いながらハイドンの交響曲の一楽章のベースラインを弾き通すのは、手に入るいちばん安上がりな形式分析のレッスンです。A&G Academy でも、紙の上に分析を一小節も書かせる前に、これを定期的に課しています。

よくある質問