Educazione dell'orecchio: come iniziare

Educare l'orecchio vuol dire imparare a dare un nome a ciò che senti. Intervalli, qualità degli accordi, ritmo e funzione, con dieci minuti di studio al giorno.

Che cosa stai allenando davvero

Educare l'orecchio non ha a che fare con l'avere orecchio in qualche senso innato. Si tratta di costruire collegamenti affidabili fra un suono e un nome. Quasi tutti sanno già distinguere un accordo allegro da uno triste; il lavoro sta nel rendere quel riconoscimento preciso, rapido e corretto anche sotto pressione.

Dentro un'unica espressione si nascondono quattro competenze distinte. Il riconoscimento degli intervalli è dare un nome alla distanza fra due note. Il riconoscimento della qualità di un accordo è dire se è maggiore, minore, diminuito, eccedente o uno dei tipi di settima. Il dettato ritmico è scrivere a tempo quello che hai sentito. L'ascolto funzionale è riconoscere che cosa sta facendo un accordo dentro una tonalità, che è la più preziosa delle quattro sul piano musicale e di solito si insegna per ultima.

Migliorano a velocità diverse e chiedono esercizi diversi, quindi conviene sapere quale stai allenando in un dato giorno invece di ascoltare cose vagamente.

Orecchio relativo, orecchio assoluto e quale dei due conta

L'orecchio assoluto, spesso chiamato orecchio perfetto, è la capacità di dare un nome a una nota senza nessun riferimento. È raro, sembra dipendere da un'esposizione precoce, e non è necessario per essere musicisti. Moltissimi grandi interpreti non ce l'hanno.

L'orecchio relativo è la capacità di identificare note e accordi in rapporto a un riferimento che ti è stato dato o che ti sei costruito da solo. È la competenza che ti permette di trasportare, improvvisare, suonare a orecchio, sentire la tua intonazione e seguire una partitura. Chiunque può impararla a qualunque età, ed è quello che ogni corso serio di educazione dell'orecchio sta in realtà costruendo.

Un avvertimento: chi ha un orecchio relativo solido a volte àncora tutto a una singola nota che ricorda, e funziona finché il brano non modula. L'obiettivo è la flessibilità, non un punto di riferimento fisso.

Gli intervalli: il metodo pratico

Le canzoni-appiglio sono l'espediente classico per chi comincia, e funzionano. Una terza minore ascendente è l'inizio di Greensleeves; una terza maggiore ascendente apre Kumbaya; una quarta giusta ascendente è la marcia nuziale; una quinta giusta è il tema di Star Wars; una sesta maggiore ascendente è il segnale della NBC; l'ottava è Somewhere Over the Rainbow. Scegli una canzone per intervallo, tienila per sempre e non cambiarla.

Ma gli appigli sono una stampella di cui devi prevedere di liberarti. La strada più rapida è sentire l'intervallo come una coppia di gradi della scala. Una sesta maggiore non è un suono isolato; è la distanza dal primo al sesto grado. Una volta che senti direttamente i gradi della scala, gli intervalli si nominano da soli come effetto secondario, e hai guadagnato la capacità ben più utile di sentire dove una nota si colloca dentro una tonalità.

Studia a parte gli intervalli discendenti. Sono nettamente più difficili di quelli ascendenti e quasi tutti li trascurano, cosa che salta fuori subito nel dettato.

Prima canta, poi suona

L'istruzione più efficace nell'educazione dell'orecchio è cantare. Non bene, non forte, solo abbastanza intonato. Cantare ti obbliga a produrre l'altezza dentro di te prima di sentirla fuori, che è esattamente il meccanismo che stai cercando di costruire. Ascoltare passivamente allena il riconoscimento lentamente; cantare lo allena in fretta.

Una routine di base prende una decina di minuti. Suona una tonica. Canta la scala in su e in giù. Canta primo, terzo, quinto grado e ritorno. Poi fatti suonare una nota a caso dentro la tonalità e cantaci sopra partendo dalla tonica, dicendo il grado. Poi rovescia l'esercizio: canta un grado che hai scelto e verificalo allo strumento.

Aggiungi a parte il lavoro ritmico. Batti le mani su un ritmo scritto contro un metronomo, poi ascolta un ritmo e scrivilo. Quasi tutti gli allievi scoprono che il dettato ritmico è il loro punto più debole e insieme quello che migliora più in fretta, perché il vocabolario delle figure comuni è piccolo.

Usare il tuo strumento come verifica

I fisarmonicisti hanno un vantaggio insolito: lo strumento non si scorda nell'arco di una sessione, quindi quello che senti è un riferimento stabile. Puoi suonare un accordo di tonica sui bassi Stradella, tenerlo con una leggera pressione di mantice, e cantare o cercare melodie sopra di esso. Studiare il dettato melodico sopra un bordone tenuto insegna in fretta l'ascolto funzionale, perché ogni nota viene sentita in rapporto a una tonica presente e non ricordata.

Quella stessa stabilità può nascondere un punto debole. Siccome le ance temperate sono fisse, un fisarmonicista non è mai costretto ad aggiustare un'altezza a orecchio, quindi l'ascolto dell'intonazione va allenato di proposito invece di arrivare per necessità.

Il contrabbasso è il caso opposto. L'intonazione sta tutta nelle mani di chi suona, e le corde vuote Mi, La, Re e Sol danno quattro altezze di riferimento fisse contro cui puoi verificare di continuo. Suonare una nota premuta contro la corda vuota una quinta o una quarta sotto, e ascoltare i battimenti finché spariscono, è educazione dell'orecchio e studio dell'intonazione nello stesso gesto. La posizione del capotasto, dove la mano lascia la geografia familiare della parte bassa, è il punto in cui questo conta di più e in cui gli allievi scoprono se il loro orecchio sta davvero guidando la loro mano.

Dieci minuti al giorno battono un'ora la domenica, e non è uno slogan motivazionale ma un'osservazione di ogni insegnante che l'abbia visto accadere. Alla A&G Academy lo inseriamo nelle lezioni settimanali proprio per questo.

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