Libertango, erklärt

Piazzolla nahm Libertango 1974 in Mailand auf. Was der Titel bedeutet, wie das Stück gebaut ist, warum es sich durchsetzte und was daran schwer zu spielen ist.

Mailand, 1974

Piazzolla war 53, erholte sich von dem Herzinfarkt, den er 1973 erlitten hatte, und war nach Italien gezogen, teils der Gesundheit wegen, teils weil Argentinien in jeder Hinsicht anstrengend geworden war. Er nahm das Album Libertango 1974 in Mailand mit italienischen Studiomusikern auf, produziert von Aldo Pagani, und es klingt nicht sehr nach den Quintettplatten ringsum. Darauf sind E-Bass, Schlagzeug, Orgel und geschichtete Streicher zu hören. Es ist unverkennbar eine europäische Studioplatte der 1970er.

Der Titel verschmilzt libertad und tango, und man liest ihn meist als Unabhängigkeitserklärung: gegenüber dem traditionellen Tango-Establishment, das ihm zwanzig Jahre lang gesagt hatte, er liege falsch, und gegenüber Argentinien selbst, in einer Zeit, in der das Land auf den Putsch von 1976 zutrieb. Er schrieb dazu kein Manifest. Er schrieb ein Riff.

Woraus das Stück tatsächlich besteht

Strukturell ist es fast minimal. Ein eintaktiges Ostinato in a-Moll, artikuliert in der 3-3-2-Gruppierung, wiederholt sich beinahe ohne Unterbrechung durch das ganze Stück. Darüber setzt eine Melodie in langen Noten ein, steigt und wiederholt sich in höheren Lagen, während der Satz darunter dichter wird. Es gibt keine Durchführung, keine nennenswerte Modulation und keinen echten Kontrast. Es wird lauter und dichter, und dann hört es auf.

Genau deshalb funktioniert es. Das Ostinato ist körperlich, es bringt Leute dazu, den Kopf zu bewegen, bevor sie entschieden haben, ob ihnen die Musik gefällt, und die Melodie hat weite Intervalle und ist langsam genug, um über dem Mahlwerk gesungen zu werden. Es ist wohl das effizienteste Stück, das Piazzolla geschrieben hat: alles, was seinen Stil erkennbar machte, und nichts, was ihn schwierig machte.

Es sei gesagt, dass die Harmonik kaum kunstvoller ist als die Form. Der Bass durchläuft einen kurzen Moll-Zyklus und kehrt zurück; es gibt keinen Tonartwechsel und nirgends im Stück einen überraschenden Akkord. Piazzolla konnte dichte Harmonik schreiben, wenn er wollte, und hier verzichtete er schlicht darauf, was eine kompositorische Entscheidung ist und kein Versäumnis.

Wie es entkam

Zum Standard wurde das Stück über Coverversionen und nicht über das Original. Den größten einzelnen Schub gab es 1981, als Grace Jones I've Seen That Face Before (Libertango) auf Nightclubbing veröffentlichte und über Piazzollas Riff einen neuen Text und ein dub-getöntes Arrangement legte. Damit stand die Melodie vor einem Publikum, das keine Ahnung hatte, wer sie geschrieben hatte.

Danach breitete es sich überallhin aus: Yo-Yo Mas Album Soul of the Tango von 1997, die verstärkte Streicherschule von Bond und Vanessa-Mae, unzählige Einsätze in Film und Werbung, Eiskunstlaufküren und, in der Fassung, die die meisten Leute inzwischen gehört haben, ohne den Namen zu kennen, das Arrangement in Studio Ghiblis Film Whisper of the Heart von 1995. Heute ist es ein Paradestück für jedes existierende Instrument, auch für einige, die es besser lassen sollten.

Warum es schwerer ist, als es aussieht

Auf dem Papier ist Libertango vier Akkorde und ein Riff, und deshalb setzt es jedes Laienensemble aufs Programm, und deshalb sind so viele Aufführungen fade. Die Schwierigkeiten liegen alle in der Ausführung.

Erstens muss das Ostinato metronomisch gleichmäßig und rhythmisch brutal zugleich sein. Jedes Schwanken lässt das Stück durchhängen; jede Höflichkeit nimmt ihm den Tango. Zweitens muss die Melodie gegen das Ostinato ankämpfen, statt darauf zu schweben, es sollte sich anfühlen wie jemand, der über eine Maschine hinweg spricht, bei manchen Einsätzen zu spät und andere verkürzend. Drittens liegt die gesamte Gestalt der Aufführung bei den Spielern, weil sich das notierte Material nie ändert: Lage, Dichte, Dynamik und ein einziger echter Höhepunkt. Wenn eine Gruppe die Noten nur von oben herunterspielt, ist das Stück eintönig, und das Publikum hat recht.

Die andere Falle ist das Tempo. Es wird häufig zu schnell gespielt, was das Ostinato zum Verwischen bringt und der Melodie den Raum nimmt, den sie zum Anlehnen braucht. Piazzollas eigenes Tempo ist geduldiger als das der meisten Coverversionen.

Schließlich ist der Schluss Ermessenssache. Das Studiooriginal blendet aus; eine Live-Aufführung kann das nicht. Die meisten Gruppen halten auf dem Ostinato abrupt an, was die sauberste Lösung ist, und einige hängen ein Ritardando an, das nach vier Minuten Maschine meist entschuldigend klingt.

Zwei Instrumente, ein Riff

Es lässt sich gut reduzieren. Das Ostinato wohnt ganz natürlich im Kontrabass, der ihm ein Gewicht und eine perkussive Kante geben kann, die kein Tastenbass erreicht, und überlässt dem Akkordeon die Melodie und die Mittelstimmen. Diese Aufteilung kommt der ursprünglichen Arbeitsteilung zwischen Bass, Gitarre und Bandoneon nahe, und sie ist die Fassung, die wir bei Auftritten in Singapur am häufigsten spielen, meist als das Stück, das einen redseligen Saal zum Schweigen bringt.

Wenn Sie es lernen, beginnen Sie mit dem Ostinato allein im halben Tempo mit Metronom und machen Sie die 3-3-2-Akzente brutal und in jedem Takt identisch. Die Melodie ist der leichte Teil. Das Riff ist das Stück.

Häufige Fragen