더블베이스의 짧은 역사

더블베이스는 일부가 비올족에서 내려온 바이올린족의 별난 친척입니다. 드라고네티와 보테시니와 쿠세비츠키가 이 악기를 뒷줄에서 끌어냈습니다.

끝내 완전히 들어가지 못한 가족

더블베이스를 첼로 옆에 놓고 보면 차이는 크기만이 아니라 구조입니다. 어깨가 넥에서 각지게 꺾이는 대신 비스듬히 흘러내립니다. 뒤판은 둥글게 깎아 올린 것이 아니라 위쪽 굴곡부에서 한 번 꺾이는 평평한 형태인 경우가 많습니다. 조율은 4도입니다. 활은 밑에서 잡을 수 있습니다. 이 네 가지는 모두 비올의 특징이고, 어느 것도 바이올린의 특징이 아닙니다.

비올족, 곧 비올라 다 감바 계열은 16세기와 17세기에 걸쳐 새로 떠오르던 바이올린족과 나란히 유럽 전역에서 번성했습니다. 뒤판이 평평하고 어깨가 비스듬하며 넥에 거트 프렛을 묶어 두었고 대체로 4도로 조율했습니다. 그 가운데 가장 큰 비올로네가 살아남은 조상입니다. 다른 자리에서는 바이올린족이 비올을 밀어냈지만 관현악의 저음부는 옛 설계를 지켰는데, 그 크기에서는 평평한 뒤판과 비스듬한 어깨가 만들기에도 팔로 감싸기에도 그저 더 현실적이었기 때문입니다.

그 결과가 혼종입니다. 현대의 더블베이스는 바이올린족의 브리지와 사운드포스트와 베이스 바를 갖추고 대체로 같은 방식으로 만들어지지만, 겉모습은 비올의 윤곽을 두르고 있습니다. 악기학자들은 이 악기가 어느 족에 속하는지를 두고 다투는데, 그 사실 자체가 답이 얼마나 애매한지를 말해 줍니다.

아주 오랫동안 표준 악기가 없었다

역사의 대부분 동안 베이스에 줄이 몇 개여야 하는지, 어떻게 조율해야 하는지에 대한 합의가 없었습니다. 이탈리아와 프랑스에서는 세 줄 베이스가 흔했고 조율은 제각각이었습니다. 조율이 서로 다른 네 줄 악기들이 함께 쓰였고, 18세기 빈의 베이스는 3도가 많이 섞인 조율의 다섯 줄을 썼는데 덕분에 어떤 화음은 쉬웠지만 현대적인 운지는 불가능했습니다. 베이스를 위해 쓰는 작곡가는 자기 곡이 어떤 악기를 만나게 될지 알아야 했습니다.

관현악의 베이스 성부가 오랫동안 그저 첼로 성부를 옥타브 아래로 옮긴 것에 지나지 않았던 이유 가운데 하나가 이것입니다. 어떤 악기가 올지 가정할 수 없다면 첼로 선을 겹치는 편이 악기에 요구하는 바가 적습니다. 진정으로 독립된 베이스 성부를 쓰기 시작한 공로는 보통 베토벤에게 돌아가며, 9번 교향곡 마지막 악장의 레치타티보 대목에서 가장 뚜렷합니다. 베이스 파트는 그때부터 지금까지 그 대목을 두고 불평해 왔습니다.

4도로 조율한 네 줄 악기가 표준이 된 것은 19세기를 거치면서였고, 낮은음 확장 장치나 다섯째 줄은 그보다도 더 뒤에, 작곡가들이 개방현 미보다 아래를 쓰기 시작한 데 대한 대응으로 나왔습니다.

드라고네티와 보테시니

1763년 베네치아에서 태어난 도메니코 드라고네티는 독주자로 진짜 명성을 얻은 첫 베이시스트였습니다. 경력의 대부분을 런던에서 보내며 쉰 해 가까이 연주했고, 전하는 이야기마다 그가 무거운 언더핸드 활로 세 줄 악기에서 비범하게 힘 있는 소리를 냈다고 합니다. 그는 베토벤과 하이든을 알고 있었고, 베토벤이 베이스에 독립된 성부를 쓰게 된 데에 드라고네티의 연주를 들은 경험이 얼마간 작용했다는 이야기는 적어도 그럴듯합니다.

1821년에 태어난 조반니 보테시니는 누구나 배우게 되는 또 하나의 이름입니다. 그는 우연히 베이스에 닿았습니다. 마침 그 악기에 음악원 장학금 자리가 열려 있어서 시작했고, 그것을 독주하는 목소리로 바꾸어 놓았습니다. 가벼운 줄로 높게 조율한 세 줄 악기를 오버핸드 활로 연주했고, 협주곡과 지금도 독주 레퍼토리로 쓰이는 수많은 명인기 소품을 썼으며, 지휘를 하고 오페라를 작곡했습니다. 1871년 카이로에서 베르디의 Aida 초연을 지휘한 사람도 그였습니다.

두 사람 모두 다른 연주자들이 가능하다고 여기는 범위를 바꾸어 놓았습니다. 그들이 남긴 레퍼토리는 지금도 젊은 베이시스트가 실력을 증명하는 방식입니다.

쿠세비츠키, 그리고 20세기

1874년 러시아에서 태어난 세르게이 쿠세비츠키는 이 표준 목록의 세 번째 인물이고, 그의 경력은 가장 기이한 방향으로 꺾였습니다. 그는 베이스 명연주자로 명성을 쌓았고 널리 연주 여행을 다녔으며, 이 악기의 레퍼토리에서 몇 안 되는 묵직한 협주곡으로 남아 있는 작품을 썼습니다. 다만 그 가운데 얼마만큼을 동료인 라인홀트 글리에르가 썼는가를 두고는 오래된 의문이 따라다닙니다.

그 뒤 그는 연주를 거의 그만두고 지휘자가 되어, 마침내 25년 동안 보스턴 심포니 오케스트라를 이끌며 놀라울 만큼 많은 새 음악을 위촉했습니다. 바르토크의 관현악을 위한 협주곡이 존재하는 것은 쿠세비츠키가 위촉했기 때문입니다. 그 시기 미국 레퍼토리의 상당 부분도 마찬가지입니다. 그는 훗날 탱글우드가 된 것을 세웠습니다.

그 뒤로 이 악기는 갈라졌습니다. 재즈에서는 지미 블랜턴과 그 뒤의 스콧 라파로와 찰스 밍거스 같은 연주자들이 베이스를 박자를 지키는 자리가 아니라 선율을 노래하고 즉흥연주를 하는 목소리로 바꾸었습니다. 클래식에서는 작곡가들이 베이스를 조용한 첼로가 아니라 고유한 색을 지닌 악기로 다루는 독주곡을 쓰기 시작했습니다.

알아 둘 만한 몇 가지

베이스는 적힌 것보다 옥타브 낮게 울리며, 그래서 악보에서 성부가 실제 소리보다 높아 보입니다. 오선 아래로 끝없이 이어지는 덧줄을 피하기 위한 실용적인 관습입니다.

관현악에서 서서 연주하거나 높은 의자에 걸터앉아 연주하는 것이 보통인 유일한 악기이고, 서로 다른 두 가지 활 설계가 모두 완전한 표준인 유일한 악기입니다. 또한 어느 세계에 사는가에 따라 재즈에서는 뜯는 것을 주된 주법으로, 관현악에서는 켜는 것을 주된 주법으로 삼는, 관현악 현악기 가운데 유일한 악기이기도 합니다.

이름은 나라와 맥락에 따라 다릅니다. 더블베이스, 콘트라베이스, 업라이트 베이스, 스트링 베이스, 베이스 피들, 또는 그냥 베이스입니다. 모두 같은 악기를 뜻합니다. 싱가포르의 연주자라면 어느 한 주에도 이 이름들이 섞여 쓰이는 것을 거의 다 듣게 됩니다.

자주 묻는 질문