Armonía y conducción de voces, lo básico

Los acordes son solo la mitad. La conducción de voces es cómo pasa cada nota a la siguiente, y es lo que hace que una progresión suene fluida y no solo correcta.

Un acorde son cuatro notas, no un objeto

Escribe do mayor y luego sol mayor y habrás nombrado dos acordes. Pero do mayor son las notas do, mi y sol, y sol mayor son las notas sol, si y re, y la pregunta que importa es qué nota va a dónde. Si la voz superior salta de sol abajo a re mientras el bajo da un salto de do a sol y las voces internas se revuelven, la progresión es técnicamente correcta y suena torpe.

Piensa en una textura a cuatro voces como en cuatro cantantes. Cada uno tiene su tesitura, cada uno tiene que respirar y cada uno quiere una línea que pueda cantar sin dar bandazos. En cuanto te imaginas a cuatro personas en vez de una secuencia de formas apiladas, casi todas las reglas dejan de ser arbitrarias.

Las voces estándar de arriba abajo son soprano, contralto, tenor y bajo. El bajo es especial: determina la inversión y lleva casi todo el peso armónico. La soprano también lo es, porque el oyente sigue la línea superior como melodía. Las dos voces internas existen sobre todo para completar la armonía sin llamar la atención, y su trabajo es moverse lo menos posible.

Los tres principios de trabajo

Primero, mantén las notas comunes. Si dos acordes consecutivos comparten una nota, deja esa nota en la misma voz y a la misma altura. Do mayor y la menor comparten do y mi; conservar las dos en su sitio significa que solo una voz tiene que moverse, y por un grado, de sol a la. Por eso esa progresión suena tan suave.

Segundo, mueve las demás voces por el intervalo más pequeño disponible. Prefiere un grado a una tercera, y una tercera a un salto. No se trata de timidez: el movimiento pequeño es lo que hace que el oído perciba continuidad y no una serie de sucesos inconexos.

Tercero, resuelve las notas de tendencia. Algunas notas llevan una expectativa fuerte de adónde van después. La sensible, el séptimo grado de la escala, tira hacia arriba a la tónica. La séptima de un acorde de séptima de dominante tira hacia abajo por grados. En sol séptima yendo a do mayor, el si quiere subir a do y el fa quiere bajar a mi. Respeta esas dos resoluciones y el cambio de acorde funciona casi al margen de lo que ocurra con lo demás.

Las prohibiciones, y la razón que hay detrás

Las quintas y las octavas paralelas se evitan en la escritura de la práctica común porque hunden dos voces en una. Si el bajo va de do a re y el tenor de sol a la, esas dos voces han estado a distancia de quinta justa todo el tiempo y el oído deja de oírlas como partes separadas. En una textura a cuatro voces eso es una pérdida real. En la guitarra del rock y en el organum medieval es justo el objetivo, lo que te dice que la regla es estilística y no moral.

El cruce de voces, cuando una voz interna pasa por encima de la que nominalmente está sobre ella, enturbia la textura y se evita por la misma razón. Los saltos grandes en las voces internas se evitan porque llaman la atención sobre una parte que debería ser invisible. La separación entre voces superiores contiguas se suele mantener dentro de una octava, aunque el hueco entre bajo y tenor puede ser mayor, porque las notas graves apretadas suenan turbias.

Ese último punto es acústico y no convencional. La serie armónica está muy separada abajo y muy junta arriba, así que una tercera tocada en el grave suena espesa e indistinta mientras que la misma tercera dos octavas más arriba suena limpia. Cualquier arreglista que haya dispuesto mal un acorde en el registro grave lo ha aprendido por las malas.

Conducción de voces en instrumentos que no te dejan elegir

Aquí es donde el acordeón se pone interesante. La mano izquierda Stradella te da un acorde por botón, en una disposición elegida por el fabricante, normalmente compacta y en el centro del registro. No puedes controlar qué nota queda arriba, no puedes mantener una nota común a propósito y no puedes evitar los paralelismos. El instrumento hace su propia conducción de voces y la hace siempre igual.

El resultado práctico es que el acompañamiento Stradella no es realmente escritura a cuatro voces; es una nota de bajo más un bloque de color. Analizarlo como textura de coral no lleva a ninguna parte. En cuanto quieres conducción de voces de verdad en la mano izquierda, necesitas bajos libres, donde cada botón es una sola nota y todas las decisiones vuelven a ser tuyas.

En el contrabajo eres una voz dentro de la textura de otro, y la conducción de voces es lo que hace buena a una línea de bajo. Una línea que camina por grados a lo largo de una progresión, usando la nota del acorde más cercana, cose la armonía. Una línea que salta a la fundamental de cada acorde la trocea en bloques. Las cuerdas al aire cuentan aquí: un mi o un la al aire suenan más largo y más fuerte que una nota pisada, lo que es una ventaja en una línea sostenida y un inconveniente si sobresale en un pasaje suave.

Cómo oírla y cómo estudiarla

Empieza con dos acordes y cuatro voces, escritos, y tócalos lo bastante despacio como para oír cada parte por separado. Después canta la línea del tenor a solas mientras tocas el resto. Cantar una voz interna es incómodo y casi irrazonablemente útil, porque te obliga a oír la parte en vez del acorde.

A continuación, coge una progresión estándar como primero, sexto, cuarto, quinto, primero y escríbela tres veces con líneas de soprano distintas. Los acordes son los mismos; las piezas no. Compararlas es la forma más rápida de notar cuánto del efecto musical vive en la voz superior.

Por último, mira música real. Los corales de Bach siguen siendo la referencia estándar porque son breves, densos y están trabajados casi a la perfección. Los alumnos de A&G Academy suelen encontrárselos hacia el grado 5, y los que tocan unos cuantos al teclado avanzan claramente más rápido que los que solo los analizan sobre el papel.

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